Inglorious Basterds (2009)

Confieso que no le tenia mucha fe a Inglorious Basterds. En realidad siempre se genera esta duda cuando leo sinopsis de los nuevos proyectos de Quentin Tarantino, no se porque, ya que siempre se las termina arreglando para probarme lo contrario.

Kill Bill Vol 1 trajo aire fresco y puntos altos que no pudo sostener con KB Vol 2 y menos aún con Death Proof. Claro, uno siempre encuentra momentos de brillantez en su filmografía, pero realmente en esos casos a mi no me parecía que terminaban justificando el producto final.

En IB, Tarantino vuelve y como. A pesar de optar por un tema trilladísimo como la segunda guerra mundial - y los benditos nazis - a pesar de tener a Brad Pitt como protagónico (una jugada que no me convenció en el trailer pero que me terminó ganando) termina ingeniandoselas para hacer su mejor película desde Jackie Brown (quizás su más lograda). Es más que cierto el tagline del film, "Nunca has visto la guerra, hasta que la ves a través de los ojos de QT". Tarantino está en su salsa, diálogos ingeniosos y escenas de alta tensión de esas ya conocidas por todos y que solo él sabe tejer.

QT aquí tampoco falla en el casting, como en mi opinión si lo hizo en Death Proof. Personajes inolvidables como Landa (con un Christoph Waltz hilarante) y Aldo the Apache (al cual Pitt actúa a la perfección) más la introducción de su nueva musa, una Uma francesa como lo es la hermosa Mélanie Laurent en su papel de Shosanna elevan la calidad aún más. Es que IB y su estética bélica no es más que una fachada, un vestido que puede cambiarse y nunca, en ningún momento Tarantino se apoya en eso o se preocupa de prestarle una atención indebida. La riqueza de la película realmente no viene de allí y es justamente una excusa-catalizador para la historia y los personajes en todo caso. El Spaghetti Western/Revenge Movie/y-porque-no-también-Explotation Movie no podía faltar, para colmo acompañado de un soundtrack espectacular como de costumbre (con Ennio Morricone y Bowie incluido por si las dudas!) que termina de condimentar el plato.

Si tengo que hacer una crítica, entonces debo decir que es siempre la misma, QT ya cansa (pero no aburre) desde hace décadas con el mismo tipo de film.

Claro, que entretiene y seguirá entreteniendo por años es indudable. Que el tipo ha visto cine de toda clase, del bueno, del mediocre, del inmirable y que logra transmitir todo ese aprendizaje y mucho más en sus películas también lo es. Pero me encantaría verlo - no en una faceta más seria - si no en una más audaz, quizás explorando áreas que no se ha animado a explorar aún en su relativa corta carrera.

Habrá que esperar supongo, ya que como se ve todavía tiene mucho en el tintero de lo otro y más que bienvenido será.

- fin de la transmisión -

Mister Lonely (2008)

Mister Lonely, el ultimo film del enfant terrible americano Harmony Korine, despertó en mi una curiosidad tremenda en cuanto me enteré de su estreno. Su protagonista, un imitador de Michael Jackson (interpretado por Diego Luna) conoce a una imitadora de Marilyn Monroe (Samantha Morton) en París y lo invita a vivir en un alejada comunidad utópica en Escocia, donde convive con una docena de otros imitadores de famosos, que incluyen al Papa, Charlie Chaplin (su esposo), Shirley Temple (su hija), James Dean, Madonna, Los tres Chiflados, y más. La otra historia del film, que transcurre a la par, tiene a un cura-piloto (Werner Herzog, que ya actuara en la estupenda Julien Donkey Boy) que reparte comida en pueblos aislados desde su avioneta. Para eso claro, utiliza monjas que desafían la gravedad y prueban que los milagros existen.

Korine ha sido comparado con enormes directores experimentales como Godard, Tarkovsky, Cassavetes, Warhol, Fassbinder y el mismo Herzog. Muchos lo conocerán por haber libretado Kids (dirigido por Larry Clark) pero también por ser director de Gummo en 1997 y la antes mencionada Julien Donkey Boy (que siguiera las normas del Dogme 95). Aqui Korine, mantiene aspectos característicos de su particular estilo, esos momentos tan íncomodos como honestos que solo el sabe captar, pero le suma una faceta espiritual, que reconozco me tomó por sorpresa, y que no había profundizado en sus anteriores incursiones, como en Gummo por ejemplo, que en mi opinión es la más profunda crítica a la sociedad norteamericana y porque no occidental, que yo haya visto, retratando brillantemente la miseria humana (física, emocional e intelectual) y regurgitandolo desde un punto de vista tan real y asqueante que invita a la náusea. Estas cualidades ya las había dejado entrever en Kids, prosiguiendo entonces con Gummo, y llegando a su esplendor en Julien Donkey Boy, film verdaderamente enfermante si los hay.

Sin embargo, en Mister Lonely, estas facetas están un tanto minimizadas en comparación, quizás el retrogusto sea el mismo, pero el impacto es muchísimo menor, demorando en hacer efecto, y eso a la larga puntúa a favor. La soledad, el desasosiego, la crudeza, siguen siendo explorados pero con mucha más compasión por sus protagonistas, involucrando y cobijando a todos ellos y también porque no a nosotros, los espectadores. Igualmente, a pesar de muchas escenas brillantes, hermosa fotografía y estética, el film es bastante desparejo, y uno es consciente que Korine está pisando terreno fértil sí, pero desconocido al fin, sin dejar de ingeniarse para mantener y elevar recursos propios ya naturales en el, como escenas improvisadas con no actores, situaciones cómicas bastante ácidas y su permanente obsesión con el desequilibrio mental y emocional de sus protagonistas.

Es innegable la originalidad de Mister Lonely, pero quizás adolece de ser demasiado poco creíble en ocasiones (no estamos hablando de surrealismo) y esto termina perjudicando un poco el mensaje de fondo. Aunque nada tiene que ver, tengo que decir que extrañé de sobremanera la ausencia de Chloë Sevigny en el elenco, por más que Luna y Morton se hayan mostrado más que competentes en sus papeles. De la banda sonora compuesta mitad por Sun City Girls y mitad por Jason "Spaceman" Pierce de Spiritualized podemos decir que se asemeja al film, a veces brillante e inolvidable, a veces no tanto.

Yo diría que en general Korine apunta alto, logra su película más accesible de su filmografía sin compromiso ni concesión alguna, pero termina fallando gloriosamente. Se le perdona. Es solo cuestión de afinar un poco más la puntería.

- fin de la transmisión -

Inland Empire (2006)

Hace varios años vi por primera vez Lost Highway. Ese fue mi bautismo con David Lynch (aunque había visto siendo un púber The Elephant Man). Y si bien LH no es mi película favorita por excelencia del director, debo admitir el punto de inflexión que causo en mí. Logré por primera vez concebir el cine como una forma de arte, como una expresión artística y no como un mero entretenimiento descerebrado al que yo parecía estar expuesto, entregado y condenado. En esos años adolescentes fue que tuve contacto por primera vez con el mundo del cine autoral y del cine independiente, de que la creatividad pura, la instrospección y la liberación de la conciencia también tenían un refugio más que válido en el cine y no sólo en la música, la literatura y la pintura como yo pensaba.

Concretamente hablando de Inland Empire, Lynch continúa la línea de sus predecesoras LH y Mulholland Drive, pero bucea con un destino cada vez más profundo. Si en LH, MD (y hasta la mismisima Eraserhead por momentos) a uno no le quedaba claro exactamente que era real, irreal, pasado, futuro, recuerdo o imaginación, uno igualmente podia comprender la esencia. Asi como esos sueños rídiculos e intransferibles que tenemos de vez en cuando pero que al mismo tiempo son totalmente entendibles sin la necesidad de un proceso racional previo.

En los filmes anteriormente mencionados, si uno quisiera explicarlos racionalmente, uno podria llegar perfectamente a un resultado o una conclusión que lo dejara medianamente conforme. Pero Inland Empire carece de "sentido" y de esa esencia de la que hablábamos. Quizás no totalmente, pero si da la sensación de cruzar un límite. Nuestros pensamientos, opiniones y aseveraciones se vuelven cada vez más frágiles mientras que los vínculos y patrones en la pantalla son cada vez mas borrosos. Lynch no nos concede ningún cable a tierra, nos deja más solos que nunca y a merced de semejante experiencia, y eso para algunos quizás es demasiado cruel.

Inland Empire está enteramente filmada en formato digital, algo que el director ha venido incorporando en varios de sus cortos y trabajos previos (no asi en sus largometrajes). El sonido y la música son parte esencial, como en todos sus filmes, y esta vez sin contar con la participacion de Angelo Badalamenti en la banda sonora, que no se hace extrañar en lo más mínimo, y eso ya es mucho decir. Todos estos elementos no hacen más que elevar la singular experiencia que solo el director sabe ofrecer. La pesadilla entonces, se torna aún más real, ambiental, atsmoférica y en consecuencia, más aterradora.

Lynch también inserta escenas, algunas retrabajadas de cortos como Rabbits y Darkened Room, en los que no estoy tan seguro que tanto aportan o dejan de aportar. Alguien que haya visto Rabbits entenderá la importancia de su ambientación, del grado de paciencia e inmersión que requiere. Aquí si bien el pedido continúa siendo el mismo, creo que es algo acelerado, forzado y por instantes fallido, no funcionando de la mejor manera. Lo mismo sucede con las escenas de Darkened Room. En cuanto a las interpretaciones, Laura Dern lo hace magistralmente, inclusive siendo alguien a quien no le tengo demasiado aprecio como actriz principal. Es más, todavía estoy un tanto decepcionado que no se haya elegido a Naomi Watts como protagonista (en realidad no tengo idea si directamente se la tuvo en cuenta). Igualmente mi sincera opinión es que Dern se planta muy bien a lo largo de todo el film y resuelve notablemente ante las exigencias de las distintas facetas y situaciones del personaje.

En conclusión, Inland Empire tiene muchos puntos en común con los fetiches más frecuentes de la obra Lyncheana (y sobre todo con MD) que se podrian resumir en la frase "A Woman in Trouble" que acertadamente resalta el afiche promocional. Habiendo mencionado esto, Lynch se las ingenia brillantemente para usar esta estructura en la que tan cómodo se siente y la utiliza como trampolín para cimentar un nuevo nivel de surrealismo, que todavía no logro decidir si es rotundamente exitoso, vanguardista y removedor, o todo lo contrario. Así de impactante y adulterante es Inland Empire.

El tiempo y la distancia tendrán la última palabra, yo por lo tanto considero que desde Blue Velvet (y salvo alguna excepción como Wild at Heart o The Straight Story) estamos disfrutando del pico de David Lynch como artista, mientras que en mi librito y hasta nuevo aviso, Eraserhead se sigue manteniendo como su obra (maestra) más influyente. El futuro entonces se presenta alentador, aunque por experiencia propia y considerando cierta ley física, prefiero ser más moderado. Todo lo que sube, tiende a bajar.

- fin de la transmisión -

Shortbus (2006)

Shortbus fue promocionada, por así decirlo, en diferentes medios como una pelicula independiente quasi-pornográfica (dado su inclusión de varias escenas con sexo real). Escrita y dirigida por John Cameron Mitchell (Hedwig and the Angry Inch) cuenta distintas historias de jovénes neoyorkinos con respecto a la vida, el amor, el mundo, y si, el sexo y la homosexualidad. Shortbus es gay. John Cameron Mitchell es gay. Ahora, eso a mi no me molesta en lo absoluto (aunque si me molesto un poco ver a un hombre eyaculándose en su propia cara, u otro cantando The Star Spangled Banner en el ano de su pareja sexual). Estas y otras escenas de sexo, shockean hasta cierto punto (realmente están bien filmadas y funcionan), pero terminan por transformar al resto de la pelicula en algo anecdótico, y poco o nada sustentable. No es culpa de ellas obviamente, sino del resto del guión. Plagada de momentos infantiles y bastante ridículos, el film es (y resumiendo) intrascendente, y creo firmemente no tendría ni la menor mención (salvo por la comunidad gay) sino fuera por las escenas sexuales antes mencionadas. Algunas salidas y tomas son rescatables pero sin llegar a ser destacables, mientras que el final también desentona y roza lo rídiculo, con una especie de oda o autobombo hacia la comunidad gay y el film en sí (que supongo habrá tenido su cuota de problemas durante la producción).

Acato de todas maneras que para determinados individuos sea más profundo y personal, tanto el final como el film en general y reconozco que si bien me abrió la cabeza con algunos temas, todavía me quedan dos conceptos latentes respecto más que nada a la comunidad homosexual. Promiscuidad e histrionismo. Con la continua aceptación de esta comunidad por la sociedad mundial, mi opinión es que llega un momento en que es tiempo de dejar estos estereotipos y muletillas atrás, justamente empezando por los mismos involucrados, si es que no quieren ser juzgados por ello. Estas terminan reduciendo al homosexual en un ser caricaturesco y poco serio, que al final de cuentas y a la larga daña la imagen del individuo en si misma.

Volviendo a la película, John Cameron Mitchell no dice nada nuevo, no planta ninguna semilla (salvo por las escenas de sexo, que seguramente si se conviertan en referencia cinematográfica, para bien o para mal) y termina cayendo una y otra vez en lugares comunes y callejones sin salida. Shortbus poco hace para cambiar la percepción de un heterosexual con respecto a un homosexual en ciertos aspectos, y es evidente que lo intenta, ya que constantemente se respira un ambiente empalagosamente orgulloso de "aca estámos". Eso ya lo sabemos, y en lo personal poco nos importa. ¿Debería?

- fin de la transmisión -

The Fountain (2006)

Por algún lado leí que Darren Aronofsky (PI, Requiem for a Dream) estrenaba nueva película. Ese artículo estaba acompañado de un enlace al trailer. Por supuesto y por más que me pareció irrisorio como todos, no podía hacer un juicio de la película en base a eso. No es que no se pueda, en general Hollywood debería dedicarse a realizar trailers y no desastres insípidos de 90 minutos. Tampoco ayudó para nada el tinte de ciencia ficción de la que parecía estar enchastrada. Pero conociendo a Aronofsky y al tanto de que está considerado como una de las nuevas voces del cine norteamericano, no podia desestimarla tan fácilmente.

En The Fountain Aronofsky se pasa de rosca. En todo sentido. Escribe y dirige a mi gusto, algo demasiado ambicioso (ya le había pasado esporádicamente en PI). A su favor, convengamos que la película casi nunca se rebaja a explicarnos detalles que no vienen al caso, ni toma de la mano al espectador y lo guía para que salga contento del cine. Su historia no lineal ciertamente ayuda y le da profundidad y eso quizás es lo más resaltable. El resto, un menjunge de recreaciones históricas, datos y recursos científicos dignos de un capítulo de CSI y por supuesto mediocres alegorías, metáforas y elementos religiosos/espirituales (catolicismo, budismo, new age). En cuanto a los protagonistas, Hugh Jackman no hace mal su trabajo, mientras que Rachel Weisz siempre se muestra competente, aunque por momentos se deja llevar en demasía. La banda sonora de Clint Mansell (que habia descollado en RFAD) acompaña en este caso, pero no brilla (una lástima). Debería escuchar el soundtrack completo, que incluye a Mogwai y The Kronos Quartet para opinar en mayor profundidad.

Me pregunto cual hubiera sido el resultado si el director hubiese optado por un camino menos ostentoso y más enfocado, ya que el mensaje de fondo (que en algún momento del film logra titilar en la oscuridad) no merecía tantas distracciones. Hay gente que igualmente opina sin que se le caiga la cara que The Fountain está a la par de 2001 : A Space Odyssey. Por suerte, cada loco con su tema.

- fin de la transmisión -

Zidane, un portrait du 21e siècle (2006)

Como gran fan del grupo escocés Mogwai que creo ser, había escuchado previamente la banda sonora de Zidane, un portrait du 21e siècle, y me resultó extraña toda la situación. El soundtrack vale aclarar, es excelente. Lo que me pareció curioso es su origen u objetivo, una película sobre Zinedine Zidane. Ahi está el primer error, inevitablemente asumir que es un documental acerca del astro futbolístico. Y si bien es eso, es mucho más sin querer serlo. El título es sin dudas más que apropiado, un verdadero retrato contemporáneo con todas las letras, de un individuo, realizando su trabajo diario, su ambiente, sus sentimientos, sus logros y sus dificultades. Pero aquí no hay biografías ni diálogos. Ni siquiera datos de su carrera o las típicas entrevistas con los amigos de la infancia. Todas esas obviedades por las que muchos pagarían la entrada al cine, se podrían ver en cualquier canal deportivo. Este documental arte/experimental nos invita a seguir de cerca al ídolo francés por 90 minutos, casi en tiempo real, en un partido de la liga española (Real Madrid vs. Villarreal). El trabajo de edición y de fotografía sobre todo, es maravilloso e indescriptible, con muchas secuencias low-fi y planos muy bien logrados, teniendo en cuenta lo intangible e imprevisible de la situación. De la música ya hablamos, pero también hay que destacar el sonido, que consigue plasmar brillantemente el ambiente del campo y el Santiago Bernabeú en general.

Lo que me inquieta, es como este film posiblemente pase inadvertido por propios y extraños. Es muy probable que mucha gente de la cultura y el cine artístico y/o independiente no se sienta motivada con un documental sobre un jugador de fútbol (lamentablemente el marketing ayuda a que se lo vea como eso y nada más). Pero también por otro lado es imposible de recomendar al hincha o espectador futbolístico promedio. Por lo tanto, temo que pasarán algunos años para que sea descubierta y redescubierta por lo que realmente es, una verdadera joya.

- fin de la transmisión -

Nacido y Criado (2006)

Santiago (Guillermo Pfening) lleva una vida "perfecta", ornamentada con su pequeña hija, una bella esposa, y un negocio rentable como diseñador de interiores. Detrás de este comienzo casi publicitario y hasta caricaturesco (adrede seguramente) es inevitable preveer el vuelco que por suerte no se hace esperar. Un accidente automovilístico en un viaje de fin de semana, hace añicos el retrato de familia ideal (con consecuencias no del todo claras). Es entonces que el protagonista se autoexilia en un remoto pueblo de la Patagonia argentina, que sirve de visión antagónica a su vida anterior. Santiago se dispone a trabajar en un pequeño aeropuerto (y cazar zorros junto a los personajes pueblerinos) para subsistir, mientras que sus dolores físicos y mentales, la culpa y la insostenible catarsis piden a gritos una resolución de la historia pendiente.
La fotografía y las locaciones nevadas del sur Argentino son extraordinarias, acompañadas adecuadamente por un elenco de reparto envidiable y muy capaz (seguramente por actores no profesionales), que proveen una mirada íntima, cruda, patética y al mismo tiempo amena de la díficil situación geográfica en la que se encuentran. Recuerda a nuestra excelente La Perrera o viceversa, ya que las dos comparten a Guillermo Nieto en fotografía. Pablo Trapero (autor de Mundo Grúa, Familia Rodante, entre otras) dirige brillantemente, aunque termina aquejado de algunas asperezas en el guión, que a mi gusto pudieron haber sido limadas. Y es que el accidente y los detalles posteriores tejen un siempre interesante manto de duda, pero que en este caso, no terminan justificando ciertas decisiones.
Mi única (¿y pequeña?) queja.

- fin de la transmisión -

Brødre (2004)

Brødre nos cuenta (por enésima vez) la historia sobre la conducta humana afectada por la guerra o situaciones de extrema violencia, y el impacto psicológico que inevitablemente termina haciendo mella en sus víctimas. Recordemos la excelente The Deer Hunter con De Niro y Walken sin ir más lejos. Susanne Bier, considerada por los críticos y el público como una de las grandes promesas del nuevo cine danés (junto al ya más que establecido Lars Von Trier), libreta y dirige su segundo largometraje. Connie Nielsen, interpreta a la esposa de un militar, que durante una misión en Afganistán, se accidenta y es eventualmente dado por muerto. Su hermano (la oveja negra de la familia, que acaba de salir de prisión) comienza entonces a fortalecer su relación con la viuda durante la ausencia del (supuesto) difunto marido. Todo comienza a oscurecerse cuando este es rescatado por el ejército inglés y devuelto a Dinamarca. Detrás de este trillado argumento casi novelesco, diremos que Bier se las arregla para exprimir emociones humanas como ninguna. Quizás mejor que el propio Von Trier, con muy buen juicio a lo largo del film, correctos planos y detalles humanos mínimos que quizás un escandinavo aprecie aún más que nosotros. Ulrich Thomsen y Nikolaj Lie Kaas realizan notables actuaciones en el papel de los hermanos, siendo a mi entender el último (Jannik, el cuñado de Nielsen en el film) el que sobresale.

Sin embargo, la directora termina adoleciendo de su poco original historia, que si bien sabiamente contada, nos termina dejando un sabor agridulce, y no necesariamente en el buen sentido de la palabra. Similar a encontrarse ante la presencia de un talento bruto siendo mal aplicado o encaminado. Esa certera e inevitalbe sensación de que pudo ser mucho mejor. ¿Que concluír entonces? Susanne Bier es sin dudas un joven talento a tener en cuenta, pero no sin antes afirmar que puede y debe mejorar. Por suerte el tiempo está de su lado.

En una nota aparte, es bastante complicado no encandilarse con la belleza monumental de la Nielsen, a la que por si fuera poco, agrega una emocional interpretación.

- fin de la transmisión -

The Departed (2006)

Martin Scorsese decide hacer un remake de un film asiático (Infernal Affairs - 2002) y eso ya huele mal desde el inicio. Es cierto que el director de Raging Bull y Goodfellas nunca se destacó por libretar sus propias películas (recuerdo solo Mean Streets, en la que si bien no falla, tampoco brilla). Lo que sí decepciona es que durante los últimos diez o quince años, Scorsese aparece opaco, maniatado, y hasta me atrevería a decir con muy poca inspiración para elegir sus proyectos. Resulta una obviedad esgrimir que con semejante elenco, se destacan las actuaciones (y también su excelente edición) y por lo tanto me abstengo, aunque ya sea demasiado tarde.

La historia merodea el clásico juego del policia sucio/policia honesto, en este caso mejor sazonada, con extremos muchísimo más sútiles de los que uno pudiera esperar, y con una aceptable vuelta de tuerca final incluída. Hablando estrictamente del guión entonces, a Scorsese no se le puede echar demasiada culpa...y en definitiva logra dirigir acertadamente esta creación ajena, aportándole el alto grado de dinamismo que el guión exige y siempre evitando exitosamente incluir clichés que terminen abaratando el largometraje. The Departed es más bien un film-escenario para que los actores brillen, y al final del día todos terminan salvando con muy buena nota, Di Caprio en el protagonista "bueno", Damon en el "malo" (estos dos siempre con golpes y cortes en el rostro, seguramente para verse mas creíbles...), Jack Nicholson y Alec Baldwin haciendo sus habituales y respectivos papeles de Jack Nicholson y Alec Baldwin, y Mark Walhberg, que en mi opinión nunca le han cabido los personajes drámaticos (aunque este no seria el mejor ejemplo) termina aportando su cuota inesperada de talento.

En conclusión, el director se reincorpora poco a poco de sus últimos fiascos como The Aviator y Gangs of New York, aproximándose más a principios de la década de los 90 en cuanto a calidad cinematográfica. Y aunque ya no estamos en aquella época, reflexiono, saco cuentas, y no puedo evitar llegar a la conclusión de que con todas las premisas y antecedentes nefastos en los que el film ha sido concebido, el resultado final seguramente podría haber sido peor. Muchísimo peor.

- fin de la transmisión -

Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (2006)

Con un alto grado de escepticismo, me vi "obligado" a ver de que se trataba Borat, de la cual había oído referencias muy buenas y otras no tanto. El cómico Sacha Baron Cohen, más conocido por su otro alter ego, Ali G (horrible en comparación) logra crear un personaje que en su simpleza, vemos reflejadas muchas de las cosas que están mal con el mundo actual. Pero la película, por suerte, dista mucho de ser una lección moralista de ese calibre. El protagonista, como se lee en el extenso y ya divertido título, es un corresponsal que viaja a Estados Unidos desde su natal Kazajistán, desviándose rápidamente de su misión original, influenciado por la interacción con la nueva y novedosa cultura que encuentra allí. Y asi, como si de repente Jackass y Michael Moore se hubieran vuelto graciosos de un día para otro, Borat funciona. Si, estamos de acuerdo que hay gags que aburren y abaratan ciertas escenas, pero por lo general el humor siempre es inteligente y lo suficientemente absurdo como para mantener la película interesante.

Igualmente, el punto más destacado de Borat es que a lo largo de los 84 minutos de duración, nunca pretende ser más de lo que es. Y en ese relativamente corto transcurso, hace reír bastante. La ecuación cierra.

- fin de la transmisión -

Grizzly Man (2005)

Excepcional documental escrito y dirigido por Werner Herzog (Aguirre: La Ira de Dios, Even Dwarfs Started Small). Cuenta la historia de Tim Treadwell y Amie Huguenard, dos activistas de osos pardos que fueron asesinados brutalmente por uno de estos en Alaska, durante una de sus expediciones. En realidad el protagonista del film por excelencia es Tim Treadwell, que recuerda mucho al recientemente fallecido (bajo similares circunstancias) Steve Irwin. Donde la historia difiere y se aleja por momentos del válido conflicto entre la vida humana y la salvaje (y sus invisibles límites), es justamente cuando vamos conociendo a Treadwell, y nos damos cuenta de que seguramente no estaba en su sano juicio (la mayoria del documental esta compuesto por tomas que el mismo realizó a lo largo de las expediciones). Muchas de sus interacciones con los animales, las personas y la propia cámara, obligan a pensar que el protagonista de los hechos sufría de alguna patología psicológica severa (en realidad el tema es hasta mencionado, pero no profundizado). A esto se suma su horrible personalidad amanerada, narcisista, rencorosa y paranoica. Igualmente el documental no se queda sólo con la historia de Treadwell (que a pesar de todo lo dicho, termina enterneciendo al espectador) sino que nos deja preguntas muy enriquecedoras sobre la condición humana, su relación con el mundo exterior, el amor hacia la libertad y la naturaleza que nos rodea, pero siempre evitando caer en cuestiones estrictamente ecológicas.

Herzog cuenta la historia de manera perfecta (ayudado también por las excelentes tomas del protagonista) e inclusive se toma la libertad de incluir momentos muy divertidos, tratando de no tomarse tan en serio una horrible tragedia, que si no hubiese ocurrido de esta forma, seguramente hubiera tenido el mismo destino bajo diferentes circunstancias.

- fin de la transmisión -

Bin-jip (2004)

El cine coreano viene haciendo olas en los últimos tiempos de la mano de directores como el afamado Chan-wook Park, y el responsable en este caso de Hierro 3 (traducción al español) Ki-duk Kim. Hyun-kyoon Lee interpreta a un indigente (si se lo puede llamar así) que irrumpe en hogares temporalmente deshabitados para pasar las noches. El encuentro con una mujer de clase alta maltratada por su esposo dará el pie para que los dos emprendan una más que inusual aventura juntos. Las escenas fluyen como seda, la edición y fotografía es brillante, y un aura de paz y filosofía asíatica impregna la pantalla a lo largo de toda la obra. Quizás algunas escenas contienen un tinte naïf, que si bien nunca exagerado, por momentos tiende a confundir levemente al espectador. De todas maneras, estas escenas terminan siendo justificables y necesarias para transmitir ambas personalidades de los protagonistas.

Ki-duk Kim es un maestro en extraer la más frénetica emoción con el más puro de los silencios. Sigilosa, poética y concisa como pocas, Hierro 3 no termina aburriendo ni un solo minuto.

- fin de la transmisión -

El Laberinto del Fauno (2006)

Leí por ahí que la nueva película de Guillermo del Toro estaba dotada de un valor artístico excepcional. Su primer film enteramente autoral. Leí mal me parece. Del Toro si bien logra plasmar una estética muy buena (tampoco para irse de fiesta...) no logra desprenderse de los tantos clichés y salidas baratas que encontramos en las más horribles péliculas de género. Si el director mexicano pretende entonces lograr culminar un trabajo más personal y concreto, deberia dejar de lado estas muletas, que en definitiva terminan por quitarle el alma al producto final.

Ah, la película en sí...dos historias paralelas ambientadas en la guerra civil española, una onírica y fantástica, la otra cruda y real. Nos enseñaron desde chicos que las paralelas se cruzan en el infinito, lamentablemente esta no es la excepción.

- fin de la transmisión -

The Squid and the Whale (2005)

Escrita y dirigida por Noah Baumbach, The Squid and the Whale es la definición de una pelicula indie. Y no se queda solo en eso, sino que asume e incorpora elementos que constantemente guiñan el ojo al atento observador. La historia es simple, dos hermanos (un adolescente y un púber) enfrentan el divorcio de sus padres escritores, en Brookyn. Jeff Daniels quizás hubiera merecido una nominación al Oscar (como si eso significara algo). La constante Laura Linney está bien como de costumbre, mientras que los dos jóvenes no fallan, dando buenas interpretaciones. Toda la historia se desarrolla en los años 80, y aunque no enteramente autobiográfica, muchas de las situaciones fueron vividas por el director en su infancia. Recomendada sin ninguna duda.

- fin de la transmisión -